電影是一門視聽結合的藝術。1895年電影誕生，此時的電影是無聲的，這個階段被稱為“默片時代”。1927年10月放映的好萊塢拍攝的《爵士歌王》是第一部有聲片，結束了無聲電影的時代。它的出現標志著聲音不再像以前一樣被剝離在外，而是成為電影的一部分。聲音的出現豐富了電影的表現形式，預示著聲音這種造型手段在以后的發展過程中會逐漸趨于成熟。電影中的聲音通常分為三種：人聲(獨白、對白、旁白、解說)、音響(其中也包括自然音響)、音樂(聲樂和器樂)。聲音出現的層次不一樣，會使電影具有不一樣的審美功能。聲音的出現使電影告別了無聲時代，聲音從此成為電影不可分割的一部分。法國學者米歇爾•希翁提出，聲音通過三種方式使影像時間化，因為聲音能夠在不同程度上渲染觀眾對時間的感知，可以賦予時間線性感，使鏡頭戲劇化和向量化[1]。因此聲音的加入，能使電影中虛構的世界更加生動、更加完整、更加真實。《爆裂鼓手》是美國新銳導演達米恩•渣澤雷執導并編劇的第一部音樂劇情片，由邁爾斯•特勒、JK•西蒙斯等人主演。影片向我們講述了謝弗音樂學院十九歲的一年級生安德魯在嚴師的教育下，以近乎瘋狂的方式挑戰著自己能力的極限，拼命地想要成為頂尖的爵士樂鼓手的故事。在第87屆奧斯卡金像獎頒獎典禮上，除了JK•西蒙斯獲得最佳男配角之外，《爆裂鼓手》還在電影制作層面上獲得了奧斯卡最佳音響效果和最佳剪輯兩項大獎，足見該影片不只在演員表演層面上，也在電影后期的聲音制作和剪輯制作上，得到了專業人士的極大認可。

　　一、聲音在電影中的制作

　　當下，任何一部影片的聲音制作都不是由一個人獨立完成的，而是在一個龐大隊伍的團結協作中完成的，有時候甚至是不同錄音師跨國完成的。電影錄音的工序有著明確的劃分，即同期錄音、先期錄音、后期錄音階段。先期錄音和同期錄音只是素材獲取方式不同，后期制作則是每一部影片必經的一道工序，這三個階段并不互相排斥，都是不可或缺的。同期錄音也就是我們大家所熟知的現場錄音的一種方式，在影片拍攝的同時，完成人物對白的錄制。先期錄音即前期錄音，是在影片拍攝之前完成錄音的一種方式，是為了獲得最佳音樂錄音效果，先進行錄音，再編輯到畫面的一種方式。后期錄音是先進行畫面的拍攝，然后再根據畫面呈現出來的內容進行后期制作，以此達到聲音和畫面的最優效果。在影片《爆裂鼓手》中，聲音的設計給人留下了極其深刻的印象，并獲得了奧斯卡最佳音響效果獎。在此，筆者要對影片聲音制作中的混音以及音效設計兩個概念進行說明：混音是聲音制作中的一個重要步驟，它是把多種來源的聲音，整合至一個立體音軌或單音音軌中。這種聲音處理方式能夠達到現場錄音時，一般聽眾不能聽到的層次分明的完美效果。“混音的工作，在于綜覽管理各個聲音元素之間的平衡，好比指揮家，讓各個聲部不互相打架。好的混音，能讓音效或配樂制造出恰當的氣氛效果，卻又不阻礙對于對白意義內容的理解;音效設計的重點，則在于音樂之外的所有聲音元素，舉凡音效、現場對白錄制、事后對白補錄等，則都是它的涵括范圍。簡言之，混音的重點在于統籌，音效設計則在于音樂之外的諸聲源內容。影片《爆裂鼓手》獲得奧斯卡最佳音響效果獎項的是班•威金斯、克萊格•曼恩、托馬斯•柯利。在威金斯的訪談中，他就曾提到這部電影的分工合作，曼恩主要負責處理對話以及事后對白補錄，威金斯則主要負責音效擬音以及背景聲和音效的設計。”[2]電影《爆裂鼓手》所呈現給我們的樂器演奏，聲音真的來自現場演員的演出嗎?在采訪中，當被問到飾演男主角的邁爾斯•特勒在影片中的架子鼓擊打表演，有多少是經過事后影音同步完成的，威金斯如此回應：“這問題有點難回答，要說的話，大約20%的音軌是在現場錄制的，大約60%的音軌是預先準備好的，讓演員動作隨之跟著打，最后剩下的20%則是事后錄制的。”[3]電影中有很多擊打架子鼓的畫面，其實大多數并不是由演員完成的，而是通過鏡頭的快速切換和后期聲音的制作，給觀眾造成一種錯覺，達到以假亂真的效果。在拍攝影片時，一方面要讓演員的動作能夠對上音樂，比如專業的鼓手在錄音室中預先打好音軌，拿到電影拍攝現場播放，為的就是讓演員打鼓的一系列動作配得上音樂的節奏。但也有很多電影畫面恰恰相反，是既有的演員敲打架子鼓的畫面，需要讓錄音室的鼓手根據演員的動作事后補錄聲音，即讓聲音主動地迎合畫面。另一方面，就是剪輯師通過后期制作，用把鏡頭畫面快速剪輯組接在一起的方式進行呈現。在訪談中，威金斯還補充道，“為了事后補錄的鼓聲更逼真，他選擇了他習慣用的萊思康480L數字混響進行回音處理，讓鼓聲更接近電影中排練室的空間感。此外，他還提到每當處于團練時間時，他刻意剔除了都市中的環境音，如汽車行駛的聲音以及警笛的喧鬧聲等，這些是聲音我們在片頭曲時有聽到，后來則被消去，這樣做可以讓整間團練室感覺更加封閉，觀眾對劇情的注意力會更加凝聚，不被外在的聲音打斷注意力”。[3]由此可見，聲音是電影中不可或缺的一部分，在影片中，聲音的制作也成為電影畫面設計的關鍵環節。

　　二、電影中爵士樂的運用

　　音樂是反映人類現實生活情感的一種藝術。《爆裂鼓手》是以音樂為主題的，配樂自然也是影片的重中之重。作為一部音樂題材的電影，該片的一大特點是重新闡釋了爵士樂，全部配樂幾乎都選自爵士樂。爵士樂是一種音樂類型，源于20世紀初期新奧爾良一帶，它融合了民間音樂、流行音樂以及古典音樂。19世紀時，新奧爾良是全美國擁有各種音樂團體最多的城市。它至少由兩股潮流演變發展而來，一是美國黑人在音樂上創造性的貢獻——拉格泰姆和布魯斯，二是一些已有的音樂形式(當時的流行音樂、進行曲、四對舞曲等)表演上往兩個特殊方面的不斷探索。爵士樂講究即興創作，以具有搖擺特點的中速布魯斯節奏為基礎，是非洲黑人文化和歐洲白人文化的結合。爵士樂相較于其他種類的音樂，自身有很多獨特之處，它講究即興表演或演唱，注重節奏的把握，以一種自由的方式，把爵士樂的和弦、獨特音色以及布魯斯音階呈現在觀眾面前。該影片英文名是Whiplash(鞭打)，指片中演奏的音樂曲目，既有“鞭打”之意，同時也指片中導師極具爭議的教育方式。與此同時，爵士鼓中有一種名叫“Whiplash(架子鼓)”的技法，即將手臂與鼓棒像一條鞭子一樣甩出去，并用鼓棒一半左右的長度抽在軍鼓的鼓邊與鼓面上，聲音效果爆裂異常。音樂不僅僅是影片要講述的故事內容，更重要的是，它起到了烘托電影中各個不同敘事段落氛圍的作用。在影片中，音樂可以用來描述生活的場景畫面，以及交代人物的生活背景和環境。比如，在影片開頭，安德魯離開學校和父親一塊去電影院看電影時，鏡頭畫面配合音樂《房車》的節奏和鼓點聲切換和搖動，展示了男主角安德魯的生活環境和生活狀態。導演在一開始運用了一些固定鏡頭的空鏡來渲染氛圍，但在固定鏡頭中也穿插一些跟隨主角的搖鏡頭，并且固定鏡頭配音樂把城市的環境氛圍由平緩逐漸推入高潮。安德魯和妮可兩人在比薩店約會，背景音樂是《當我醒來》，營造了一種約會時浪漫的氛圍。但是在談到關于學校、專業等話題時，觀念的不同也為后面兩人分手作了一定的鋪墊。在影片中，配樂可以做到音樂的影像化。比如，在安德魯兩次驅車趕往市比賽現場的過程中，導演并沒有用交叉蒙太奇分別進行敘事，只是將所有的鏡頭畫面全部給了安德魯。開車時，也只是通過安德魯打電話，才了解到比賽馬上就要開始了。“在此處的電影配樂當中，《意外》一曲有其突出之處，因為它做到了音樂的影像化。這段配樂所搭配的是男主角安德魯取回鼓槌要開車返往音樂比賽的橋段，樂句利用持續拉長的單音，模擬著車子從身旁呼嘯而過以及充斥喇叭聲的感受，并且在最后管樂器齊鳴的漸強中，與影像中的撞車做完美的結合，制造出電影中的一波高潮。”[2]影片最后一段爵士樂《房車》(這是一個傳統標準曲，這個曲子本身的特點是非洲舞節奏和城市布魯斯來回轉換)表演是最精彩的段落，也是影片節奏的最高潮，安德魯用鼓聲控制了整個樂隊，打鼓的速度目不暇接，每一擊都那么精準，打出了爵士樂自由奔放的靈魂。該段落使影片在整體上得到了升華，本該是整個樂隊的一場演出，意外地成了他一個人的獨奏，現場所有的一切仿佛都是為了烘托他而存在的，沒有他，一切都顯得毫無意義。在影片最后，安德魯和老師弗萊徹兩人相視一笑泯恩仇，或許在他們心中，已經找到了屬于彼此的“查理•帕克”。隨著安德魯的最后一次擊打，影片結束。鼓聲依舊回蕩在每個人的心中，讓觀眾沉浸在忘我的環境中意猶未盡、回味無窮。在影片《爆裂鼓手》中，“音樂所追求的并不是技術方面的成功，更多的是對作品的理解和情感的表達。爵士樂所需要的，是一種自由奔放的音樂態度，從內心深處去體會音樂的魅力，并自然而然地將這種情感表現在鼓聲之中”。[4]影片最后一段爵士樂表演，無論是演員的表演、場面的調度、鏡頭的運動，還是燈光的布置、聲畫剪輯等都近乎完美。在一場淋漓盡致的爵士樂演奏中，一切語言描述都顯得有些多余，只有沉浸在情境中，才能真正地領略到影片的魅力所在。

　　三、電影中視聽藝術的表達

　　畫面與聲音相互配合，以形成獨特的視聽沖擊是電影的一大魅力所在。在影片《爆裂鼓手》中，音效所占比重較大，而且主人公安德魯演奏的鼓聲在影片開始與結尾時也有完全不同的呈現，真正完成了音樂上的蛻變和升華。電影一開始，擊鼓的聲音先于畫面出現，告訴我們這是一部關于音樂的影片，片名字幕出現后，影片故事才真正開始。影片第一個鏡頭是一個較長的黑屏鏡頭畫面，并且伴隨著逐漸強烈、節奏加快的鼓點聲。鼓點聲越來越快，給人帶來一種壓迫感，迫使觀眾聚焦于銀幕之中。在一次有力的擊鼓聲結束的瞬間，影片的第二個畫面直接呈現在觀眾面前。一個長鏡頭從教室走廊遠處緩緩推進，畫面中的男主角安德魯沉浸在擊鼓練習中，而這緩慢推進的過程，伴隨著強烈又快速的擊鼓聲，在表現男主角刻苦的同時，也增強了畫面的緊張感。在隨后的影片中，音樂老師弗萊徹出現，安德魯的練習立即被打斷，頂光以及仰拍的方式塑造了老師弗萊徹的人物形象。在該段落的最后，沒有刻意用鏡頭畫面交代老師的離去，而是用關門聲，用聲音代替畫面去表現老師弗萊徹不滿意之后的摔門離去，繼而在不知所措的安德魯面前返回拿落下的外套，導演巧妙的設置，讓安德魯內心產生了很大的起伏。這場戲不論是編劇創作的結構、演員表演的呈現，還是剪輯節奏的轉變，都很明確地交代了故事的前提和人物的關系。隨著故事的推進，安德魯加入老師弗萊徹的樂隊，第一次上課，老師踏著精準的時間走進教室。首先，呈現在眼前的是整個鐘表的特寫，緊接著是指針轉動的一個大特寫，兩個特寫鏡頭之間快速切換。接下來的一系列鏡頭畫面是老師鞋子的特寫、學生上課起立的鏡頭、書的特寫等，特寫鏡頭迅速記錄下學生們緊張且畏懼的面部表情，寂靜的教室和之前的熱鬧場面形成鮮明對比。所有學生低頭不語，樂器中流淌在地上的水，小胖子面對弗萊徹時害怕的表情……這些大量的特寫鏡頭，使弗萊徹在學生們眼中近乎嚴苛的形象更加突出。在短短的時間里，導演運用大量的特寫鏡頭來刻畫人物、渲染氣氛、烘托環境，形成影片節奏的一種變化，增強了畫面的緊張感。安德魯和老師弗萊徹第一次矛盾沖突點是他在打鼓的時候出現了錯誤，從鏡頭畫面中可以看出，安德魯的每一個動作都慢了半拍。在這一次的情節沖突中，導演除了對畫面構圖、鏡頭運動、場面調度、演員表演等做了精心設計和安排外，在該段落的影片中還出現了幾次越軸鏡頭，給人留下了深刻的印象。越軸鏡頭可以增強影片的節奏感。導演在拍攝安德魯被弗萊徹打耳光的鏡頭的時候運用越軸，想給觀眾呈現出言語和肢體上的激烈沖突。越軸鏡頭的來回切換，伴隨著老師的怒吼聲和擊打聲，非但沒有讓觀眾在視覺上感到不舒服，反而使觀眾自愿地把情感帶入其中，更加身臨其境，增強了影片的畫面質感，有利于情緒的傳達。影片有一個好的開始，收尾也恰到好處。在影片的最后，也就是影片節奏的最高潮，安德魯來到老師弗萊徹安排的演出現場，沒想到這一次又是老師的報復，老師想讓他在評委和觀眾面前出差錯，從而徹底放棄自己的音樂夢想，但這一切卻適得其反，最終成就了他。在影片的最后，安德魯用自己鼓聲控制了整個樂隊，所有的樂器都成為他的陪襯，原本是整個樂隊的一場演出，最終卻成了他一個人的舞臺表演秀。隨著安德魯的最后一擊，影片戛然而止，電影以鼓聲開始，又以鼓聲結束，做到了首尾呼應。在影片中，大多數場景畫面的色調是偏暗的，暗色調的渲染可以把聲音最完美地呈現出來，喚起人物情感的波動，增強影片的層次感。該片強調不一樣的鼓聲，由此可見聲音在這部電影中的重要性。影片《爆裂鼓手》的導演，將音樂放置在一個純粹的競爭狀態下，對聲音的極致運用，出色地構建了一個別致的視聽時空，并在這個別致的時空，完成了精準而華麗的影像表達，只有沉浸其中，才能更好地領略影片的魅力。

　　四、結語

　　在電影的制作過程中，聲音和影像可以分開單獨處理，我們習慣認為影像的變化是電影的核心部分，而聲音只是其附屬品，起輔助作用。其實不然，聲音與影像有著密切的聯系，相比于其他電影技巧，聲音的變化更為豐富。聲音對于影片而言有許多優點，一方面聲音能夠積極地影響我們對影像的詮釋，另一方面聲音能夠增強觀眾對影片的整體感受。好的聲音可以給電影適當的節奏，奠定情緒的基調，好的音效可以讓畫面更加立體、更加真實、更加震撼。在電影中，聽覺情境的無限可能擴大了視覺影像的無限可能。簡而言之，聲音的呈現在電影中具有至關重要的作用。

　　參考文獻：

　　[1][法]米歇爾•希翁.視聽：幻覺的構建[M].黃英俠，譯.北京：北京聯合出版公司，2014：1.

　　[2]沈宏達.動靜之間——《爆裂鼓手》的視聽韻律[J].電影藝術，2015(4)：88-93.

　　[3]本•威爾金斯.后視網：在《爆裂鼓手》的音頻混音編輯[EB/OL].后視網.

　　[4]陶經，葉思成.試論電影聲音創作對人性的書寫與表現——以影片《爆裂鼓手》為例[J].現代電影技術，2016(10)：20-23.

　　《聲音在電影中的創造性運用——以影片《爆裂鼓手》為例》來源：《新聞研究導刊》，作者：王宇